J2Brand - Jakupsil 햄튼아트페어 2025. 07. 10 - 13

J2Brand와 Jakupsil은 2025년 7월 10일부터 13일까지 뉴욕 롱아일랜드 햄튼에서 개최되는 햄튼 아트페어(Hamptons Fine Art Fair)에 공동 참가한다. 이번 프레젠테이션에서는 고상우, 류지안, 김지희, 이상원, 홍지희, 김서울의 신작을 중심으로 회화, 조각, 혼합매체 작업을 선보이며, 한국 동시대 미술의 폭넓은 스펙트럼을 소개한다.

 

 

 

 

 

홍지희 Hong Jeehui

홍지희는 일러스트레이션, 회화, 그리고 재활용 소재를 결합해 시적이면서도 도발적인 작업 세계를 구축한다. 그의 작품은 회화와 콜라주를 기반으로 깨진 유리, 자개, 철사, 실, 쌀 등 비전통적 재료를 층층이 쌓아 올리며 풍부한 마티에르를 형성한다. 이러한 표면은 연약함과 강인함, 파편화와 회복의 감각을 동시에 품고 있으며, 버려진 사물들을 기억과 물질의 복합적인 풍경으로 재탄생시킨다.

홍지희의 작업은 불규칙성과 우연성을 적극적으로 수용하고 고정된 양식을 거부하는 태도에서 출발한다. 이러한 실험적 접근은 크리스찬 디올, 막스마라, 에스티 로더 등과의 협업으로 이어졌으며, 그의 작품은 LG, 효성, 대림을 비롯한 주요 기업 컬렉션에 소장되어 있다. 끊임없이 변화하는 형식과 물질적 표면을 통해 작가는 소비와 소멸, 그리고 그 속에 잠재된 재생의 가능성을 사유하도록 관람자를 이끈다.

 

Merging illustration, painting, and upcycled materials, Hong Jeehui’s work is both poetic and provocative. Her compositions combine painting, collage, and unconventional materials— broken glass, mother-of-pearl, wire, thread, and rice—layered into richly textured surfaces that fuse fragility and resilience. Each piece carries the imprint of transformation, impermanence, and renewal, recasting discarded objects into intricate fields of memory and matter. 

Hong practice is defined by a deliberate embrace of irregularity and the rejection of fixed style. Her experimental approach has led to collaborations with Christian Dior, Max Mara, and Estée Lauder, and her works are held in major collections including LG, Hyosung, and Daelim. Through shifting forms and matiere, Hong invites viewers to reflect on consumption, impermanence, and the quiet possibility of renewal.

 

 

김지희 Kim Jihee

김지희는 아름다움과 압박, 욕망과 고독이라는 상반된 감정과 상태를 탐구해왔다. 대표 연작인 **〈Sealed Smile〉**은 커다란 눈과 화려한 선글라스, 어색한 치아 교정기를 착용한 소녀들을 등장시키며, 화려한 외면 뒤에 감춰진 불안과 취약성을 드러낸다. 그의 인물들은 현대 사회가 요구하는 이상적 이미지와 내면의 감정 사이의 간극을 반영하며, 찬란함과 연약함, 장식성과 공허함이 공존하는 동시대의 초상을 제시한다. 이러한 긴장 관계는 김지희 작업 전반을 관통하는 핵심적인 주제이자 조형 언어로 자리하고 있다.
김지희는 뉴욕, 런던, 베이징, 서울 등 국내외에서 300회 이상의 전시에 참여하며 활발한 활동을 이어오고 있다. 여행과 그리움의 정서를 담아낸 〈Trunk〉 연작은 여행용 트렁크를 서사적 조각 오브제로 재해석하며 순수미술과 컬렉터블 디자인의 경계를 확장한다. 그의 작품은 수원 아이파크미술관, 미샤(MISSHA), 페라리 코리아 등 주요 기관 및 기업 컬렉션에 소장되어 있으며, 로열 살루트(Royal Salute), 크록스(Crocs), 스톤헨지(Stonehenge) 등 다양한 브랜드와 협업을 진행했다. 2022년에는 〈Sealed Smile〉 작품이 대한민국 고등학교 미술 교과서 표지에 수록되며 대중적 인지도와 예술적 성과를 동시에 인정받았다.

Kim Jihee explores the dualities of beauty and pressure, desire and solitude. Her signature Sealed Smile series features wide-eyed girls with oversized, ornate sunglasses and awkward braces—figures that conceal vulnerability behind glamorous façades. These portraits reflect modern life’s contradictions: the curated exterior versus the emotional interior, the brilliant versus the brittle. This tension between brightness and melancholy, ornament and emptiness, forms the core of her visual language.

Kim has exhibited widely, with over 300 shows in New York, London, Beijing, and Seoul. Her Trunk series, inspired by themes of travel and longing, turns luggage into narrative sculpture, bridging fine art and collectible design. Her works are housed in public and corporate collections such as Suwon I-Park Museum, Missha, and Ferrari Korea, and she has collaborated with brands including Royal Salute, Crocs, and Stonehenge. In 2022, Sealed Smile was featured on the cover of Korea’s national high school art textbook.

 

김서울 Kim Seoul

김서울은 실크스크린, 조각, 설치를 넘나들며 식물 이미지를 다층적으로 탐구하는 한국의 작가이다. 투명 아크릴과 필름 위에 실크스크린 기법을 적용해 구축한 그의 작업은 관람자의 움직임에 따라 이미지가 중첩되고 변화하는 빛의 정원을 연상시킨다. 초기 작업이 도시 생활의 반복적 리듬과 고립감에 주목했다면, 팬데믹 이후에는 실내 식물을 돌보는 일상의 경험에서 영감을 받아 보다 내밀한 시선으로 자연과 삶의 관계를 탐구해왔다. 화면과 공간을 가로지르는 식물의 형상들은 시간의 흐름, 돌봄의 행위, 그리고 현대 사회 속에서 지속되는 자연의 생명력을 사유하게 한다.
김서울 작업의 핵심에는 색분해(Color Separation) 기법이 자리한다. 각각의 색을 별도의 판으로 분리해 순차적으로 인쇄하는 전통적인 판화 방식을 바탕으로, 작가는 이미지를 색채 단위로 해체하고 다시 중첩하는 과정을 반복한다. 철저한 계획과 정교한 제작 과정을 거치지만, 최종 결과물은 시간과 재료, 제작 과정이 만들어내는 예측 불가능성을 함께 품는다. 이러한 긴장 관계는 그의 작업에 독특한 깊이와 공간감을 부여한다. 김서울의 작품은 미국, 중국 등 국제 무대에서 소개되어 왔으며, RISD 미술관(RISD Museum), 중국 허미술관(He Art Museum), 시애틀 시청(Seattle City Hall) 등의 주요 컬렉션에 소장되어 있다.

 

Kim Seoul is a Korean artist whose layered botanical works bridge silkscreen, sculpture, and installation. Using silkscreen on transparent acrylic and film, she creates luminous “gardens” where overlapping images shift with the viewer’s movement. Her practice, once focused on the isolating rhythms of urban life, turned inward during the pandemic, inspired by the quiet intimacy of tending indoor plants. These meditative, labor-intensive works reflect on time, care, and the quiet vitality of nature in modern life. 

At the core of her process is color separation, a printmaking technique in which each hue is printed from a separate plate. Kim approaches this methodically—mentally deconstructing images by color, layering them in sequence. Yet the final work always carries an element of unpredictability, shaped by time, material, and process. Her work has been exhibited internationally, with pieces in the collections of the RISD Museum, He Art Museum (China), and Seattle City Hall.

 

 

고상우 Ko Sangwoo

고상우는 푸른 색조의 멸종위기동물 초상 연작으로 국제적인 주목을 받아온 한국 작가이다. 사진, 회화, 디지털 이미지를 결합하는 독창적인 작업 방식을 바탕으로 네거티브 필름과 색 반전 기법을 활용해 환상적이면서도 강렬한 이미지를 만들어낸다. 그의 작업은 사회적 약자와 소외된 존재들에 대한 관심에서 출발하며, 멸종위기동물을 인간 초상화의 형식으로 재현함으로써 기존의 자연 다큐멘터리 사진과는 다른 시각적·개념적 접근을 제시한다. 화면 속 동물들은 정면을 응시하며 저항과 슬픔, 연약함과 존엄성을 동시에 드러내고, 관람자와 직접적인 관계를 맺는다.
고상우는 동물을 인간과 동등한 존재로 바라보며, 멸종의 위기가 결국 인간 사회가 직면한 존재론적 불안과 맞닿아 있음을 이야기한다. 그의 작업은 인간과 비인간 생명체의 관계를 새롭게 조명하는 동시에 기후 위기와 공존의 문제를 환기한다. 작품은 국립현대미술관(MMCA)을 비롯한 주요 기관에 소장되어 있으며, 세계자연기금(WWF) 등 다양한 국제 환경단체와의 협력을 통해 예술이 사회적 담론을 확장하는 가능성을 보여주고 있다.

 

Koh Sang Woo is an internationally acclaimed Korean artist known for his iconic blue-toned portraits of endangered animals. Working through a distinctive process that fuses photography, painting, and digital manipulation, his practice gives voice to the marginalized through luminous, otherworldly imagery created using negative film and color inversion. His endangered species portraits transcend traditional nature photography by according these creatures the gravitas of formal human portraiture, their direct gaze radiating defiance, melancholy, and vulnerability. 
By elevating animal subjects to human status, Koh articulates that the extinction crisis mirrors humanity's own existential precarity. His work is held in major collections including the National Museum of Modern and Contemporary Art Korea and supported by organizations like the World Wildlife Fund, demonstrating art's capacity to reshape discourse on climate change and interspecies coexistence.

 

이상원 Lee Sangwon

이상원은 해변, 스키장, 공원, 수영장 등 여가 공간에 모인 군중의 모습을 조감 시점으로 담아내는 회화 작업으로 잘 알려진 한국 작가이다. 사진과 회화의 경계를 넘나드는 그의 작업은 휴식과 놀이, 그리고 함께하는 경험에 대한 인간의 보편적인 욕망을 포착한다. 작가는 직접 촬영한 여가 풍경을 바탕으로 대형 화면을 구성하며, 개별 인물의 서사를 지우는 대신 집단이 만들어내는 리듬과 움직임에 주목한다.
높은 시점에서 내려다본 인물들은 하나의 익명적 군중이자 화면을 구성하는 조형적 요소로 기능한다. 멀리서 보면 화면은 추상적 패턴에 가까운 인상을 주지만, 가까이 다가갈수록 각기 다른 몸짓과 움직임이 드러나며 생생한 현장감을 전달한다. 이상원의 작업은 개인과 집단, 관찰과 참여 사이를 오가며 현대인의 여가와 공동체적 경험을 시각화한다. 관람자는 화면 속 특정 인물을 바라보기보다 그 공간 안으로 스스로를 투영하며 장면의 일부가 된다. 이상원은 2000년대 초반부터 국내외에서 활발한 전시 활동을 이어오고 있으며, 작품은 국립현대미술관, 서울시립미술관, 성곡미술관을 비롯해 포스코, LG, 한화리조트, 대명리조트 등 주요 기관 및 기업 컬렉션에 소장되어 있다.

 

Lee Sangwon is a Korean painter known for his dynamic aerial compositions of crowds in motion - at beaches, ski slopes, parks, and pools. Working at the intersection of photography and painting, he captures the shared human longing for rest, play, and presence. Starting with his own photographs of leisure scenes, he transforms them into panoramic works that blur the line between individual and collective experience. Rendered from a bird’s-eye view, his figures become rhythmic patterns - anonymous yet familiar. In his work, individuality dissolves; what matters is not who these people are, but the simple act of enjoying leisure together. His compositions often resemble intricate patterns from afar, yet up close, they reveal the intimacy of movement, allowing viewers to imagine themselves within the scene. Lee has exhibited widely since the early 2000s. His work is held in the collections of the National Museum of Modern and Contemporary Art Korea, Seoul Museum of Art, Sungkok Art Museum, and institutions such as POSCO, LG, Hanwha Resort, and Daemyung Resort.

 

류지안 Yoo Jian

류지안은 자개를 동시대 예술의 언어로 확장하며 전통 공예와 현대미술의 경계를 새롭게 탐구하는 한국 작가이다. 동아시아에서 오랫동안 왕실 공예와 장식 예술의 재료로 사용되어 온 자개를 주요 매체로 삼아, 수천 개의 조각을 직접 절단하고 정교하게 배열하는 과정을 통해 독창적인 화면을 구축한다. 빛에 따라 변화하는 자개의 고유한 물성과 섬세한 수공적 제작 방식은 자연의 리듬과 시간의 흐름을 시각적으로 드러내며 깊은 울림을 만들어낸다.

대표 연작인 **〈Moon Jar〉**는 달빛과 물결의 이미지를 자개의 오묘한 광택으로 구현하며, 한국 전통 달항아리의 조형성과 현대적 감각을 결합한다. 해당 연작 중 한 작품은 2023년 한미정상회담 당시 조 바이든 미국 대통령에게 공식 선물로 전달되기도 했다. 또한 **〈Wave〉**와 〈Flow〉 연작은 자개가 지닌 물질적 특성과 자연의 유기적 움직임을 더욱 심화해 탐구하며, 자연과 변화라는 작가의 핵심적인 관심사를 드러낸다.  류지안의 작품은 현재까지 45개국 이상의 국가 정상 및 주요 인사들에게 전달되었으며, 롤스로이스(Rolls-Royce), 델보(Delvaux), 프레드(Fred), 더 히스토리 오브 후(The History of Whoo) 등 글로벌 브랜드 컬렉션에도 소개되었다. 전통 재료에 대한 깊은 이해와 현대적 조형 감각을 바탕으로, 그는 자개라는 매체가 지닌 새로운 가능성을 끊임없이 확장하며 과거와 현재, 전통과 혁신을 연결하는 작업을 이어가고 있다.

 

Yoo Jian is a Korean artist redefining the boundaries of mother-of-pearl in contemporary art. Traditionally reserved for royal crafts in East Asia, nacre (mother-of-pearl) is her medium of innovation, precision, and poetic reflection. With thousands of hand-cut fragments, she creates luminous compositions that capture the rhythms of nature and the quiet grandeur of time. Her Moon Jar series evokes the glow of moonlight and waves through iridescent surfaces—one of which was gifted to President Joe Biden during the 2023 Korea-U.S. summit. Her Wave and Flow series further explores the material’s inherent qualities, embodying her practice’s core focus on nature and transformation. Yoo’s works have been presented to world leaders in over 45 countries and collected by brands such as Rolls-Royce, Delvaux, Fred, and The History of Whoo at Frieze New York. Through her work, she bridges heritage and innovation, revealing new possibilities within tradition.

문의:

Brett Lee

JAKUPSIL - Creative Collective

T. +1 215 906 5200

E. brett@ jakupsil.com

W. www.jakupsil.com

IG. @brettdhlee @jakupsilny