JAKUPSIL은 2026년 2월 27일부터 3월 1일까지 캘리포니아 베니스 Venice의 Kinney Hotel에서 개최되는 StartUp Fair에 참가한다. 이번 부스에서는 애니쿤, 폴 초트, 김동환, 도화킴, 이수연, 아담 움바크의 신작을 선보이며, 회화와 도자, 혼합매체를 통해 기억, 자연, 기술, 물질성에 대한 동시대적 시선을 제안한다. 로스앤젤레스 아트위크 및 Frieze Los Angeles 기간 중 열리는 이번 행사에서 JAKUPSIL은 국제 관객들에게 작가들의 독창적인 작업 세계를 소개했다.
작업실 포스터
문의:
Brett Lee
JAKUPSIL - Creative Collective
T. +1 215 906 5200
IG. @brettdhlee @jakupsilny
> Anikoon examines contemporary identity and human connection through the metaphor of robots. Moving away from sleek, high-tech representations, his robots appear deliberately awkward and vulnerable, displaying expressions ranging from playful bewilderment to profound melancholy. This exhibition showcases his acclaimed robot series alongside new works inspired by American consumer culture, incorporating iconic brands like McDonald's, Coca-Cola, and Air Jordan. Through these mechanical intermediaries, Anikoon explores how we wear multiple masks in life and the possibilities for genuine connection when inner voices meet authentically.
애니쿤은 로봇이라는 상징을 통해 현대인의 정체성과 관계 맺기의 방식을 탐구한다. 그의 로봇들은 완벽한 기계가 아닌 불완전하고 감정적인 존재로 등장하며, 현대 사회 속 불안과 외로움, 그리고 진정한 소통에 대한 갈망을 드러낸다. 이번 전시에서는 대표 로봇 연작과 함께 맥도날드, 코카콜라, 에어 조던 등 미국 소비문화를 소재로 한 신작을 선보인다.
> Dohwa Kim is a ceramic artist whose practice embraces ceramics, painting, and other media in a fluid interplay of form, color, and texture. A pivotal moment in her artistic development came with her first pilgrimage along the Camino de Santiago. The journey, and the ten that followed, reshaped her perspective and deepened her commitment to a contemplative, process-driven practice. The landscapes, silences, and encounters along the way continue to inform her approach to material and form. Her work reflects an openness to change, and the quiet possibilities found in unexpected turns.
도화킴은 도예를 중심으로 회화와 다양한 매체를 넘나들며 형태와 색채, 물성의 관계를 탐구한다. 산티아고 순례길에서의 경험은 작가의 작업 세계에 중요한 전환점이 되었으며, 이후 작업은 자연과 시간, 우연한 만남이 지닌 의미를 사유하는 방향으로 확장되었다. 그의 작업은 변화와 불확실성을 수용하는 태도에서 출발한다.
> Donghwan Kim's recent paintings center on the pansy—an omnipresent flower in Korea, frequently overlooked precisely because of its abundance. Kim was initially drawn to the pansy for its chromatic duality: the tension between its dark core and luminous petals. This interplay of shadow and radiance unfolds as a metaphor for human complexity—an insistence that identity resists singular definition. The flower’s secondary connotation, historically associated with weakness or effeminacy, further deepens the inquiry. Rather than reject the term, Kim reclaims it, aligning vulnerability with resilience and reframing marginality as latent strength.
김동환은 일상에서 흔히 마주치는 팬지꽃을 통해 정체성과 사회적 인식의 문제를 탐구한다. 어두운 중심부와 밝은 꽃잎이 공존하는 팬지의 구조는 인간 내면의 복합성을 상징하며, 연약함과 강인함이 공존할 수 있음을 보여준다. 작가는 주변화된 가치들을 새로운 시선으로 바라보며 취약성을 하나의 가능성으로 전환한다.
> Paul Choate has dedicated his artistic career to exploring the evolution from manual craft to technological automation. His work examines how advanced technologies like AI and robotics can enhance rather than replace artistic expression. Using machines as creative partners, Choate creates pieces emphasizing the challenges of producing tangible art through mechanical means while offering a critique of humanity's tendency to overcomplicate reality. His pieces in the exhibition demonstrate how the fusion of human creativity with machine precision can reveal new artistic possibilities.
폴 초트는 수작업 중심의 예술 실천에서 인공지능과 로보틱스로 확장되는 창작 환경에 주목해왔다. 기계를 창작의 도구이자 협업자로 활용하는 그의 작업은 인간의 창의성과 기술적 정밀성이 만나는 지점을 탐색한다. 이를 통해 예술과 기술의 관계, 그리고 동시대 창작의 새로운 가능성을 제안한다.
> Adam Umbach creates works that serve as powerful acts of remembrance, transforming everyday objects into portals of memory and emotional resonance. His precisely rendered butterflies, lighthouses, and childhood objects float in dreamlike color fields, evoking nostalgia and existential isolation. Umbach's paintings juxtapose meticulous photorealistic depictions with expressive marks made with his non-dominant hand, creating a contrast that recalls the thrill of artistic discovery familiar from childhood. His work invites viewers to project their own memories and associations, making each encounter deeply personal.
아담 움바크는 기억과 향수, 개인적 경험을 회화의 언어로 풀어낸다. 나비, 등대, 장난감과 같은 친숙한 대상들은 화면 안에서 정서적 상징으로 재구성되며, 관람자 각자의 기억과 감정을 환기한다. 정교한 사실주의적 묘사와 자유로운 제스처가 공존하는 그의 작업은 기억이 형성되고 재해석되는 과정을 시각화한다.
> Suyeon Lee works in the tradition of minhwa, advancing its symbolic vocabulary through technical and compositional clarity. Her recent paintings revisit key motifs including hwajodo (birds-and-flowers), chaekgado (books-and-scholarly objects), pachodo (banana plants), hwajeopdo (flowers and butterflies), and varied floral compositions. Historically associated with prosperity, scholarly virtue, longevity, fertility, and harmony between cultivated and natural realms, these subjects are rendered with disciplined brushwork and calibrated color. Lee balances ornament with structure, surface richness with spatial order, reaffirming the formal sophistication of folk aesthetics while situating minhwa within a contemporary painterly discourse.
이수연은 민화의 전통적 도상을 현대적 회화 언어로 재해석한다. 화조도, 책가도, 파초도, 화접도 등 전통 회화의 주요 소재를 바탕으로 길상과 풍요, 학문적 이상, 자연과 인간의 조화를 담아낸다. 섬세한 필선과 절제된 색채를 통해 민화가 지닌 장식성과 조형적 완성도를 오늘날의 시각으로 새롭게 제시한다.
문의:
Brett Lee
JAKUPSIL - Creative Collective
T. +1 215 906 5200
IG. @brettdhlee @jakupsilny
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