Jakupsil 뉴욕 작가 스튜디오 방문 - 타임스퀘어 - Scott Reeder 2026. 03. 21

JAKUPSIL NY는 2025년 3월 21일 뉴욕 타임스퀘어에 위치한 스콧 리더의 스튜디오에서 프라이빗 스튜디오 비지트를 개최했다. 이번 행사는 최근 작업을 소개하고 향후 전시 계획을 공유하는 자리로 마련되었으며, 참석자들은 신작 회화를 중심으로 작가의 작업 세계와 제작 과정에 대한 이야기를 나누는 시간을 가졌다.

스캇 리더는 회화와 드로잉, 조각, 설치를 아우르며 유머와 서사, 미술사적 참조를 결합한 독창적인 작업 세계를 구축해 온 작가로, 이번 스튜디오 비지트는 작가의 현재 작업을 보다 가까이에서 접하고 의견을 교류할 수 있는 자리로 진행되었다.

 

문의:

Brett Lee

JAKUPSIL - Creative Collective

T. +1 215 906 5200

E. brett@ jakupsil.com

W. www.jakupsil.com

IG. @brettdhlee @jakupsilny

 

“단지 하나씩 계속 쌓으면 뭔가 재미있는 일이 벌어질 것이라는 자신감이나 믿음이 있어야 한다. 나는 가장 흥미로운 그림은 수수께끼 같은 그림이라고 생각한다.”  —스캇 리더

스캇 리더는 회화를 중심으로 조각, 영화, 퍼포먼스 등 폭넓은 형식과 매체를 넘나들며, 미술의 역사와 관습을 참조한 유머와 패러디 방식의 작업들로 잘 알려져 있다. ‘이미지 페인팅’을 중심으로 ‘파스타 회화’ 시리즈, 텍스트에 기반한 ‘워드 페인팅’과 ‘리스트 페인팅’ 등으로 작업이 전개된다. 언어 기호와 시각, 전통과 새로움, 고급과 통속을 교차시키는 그의 해학적 방식은 익숙한 문화예술의 관습과 위계를 낯설게 전환시키며, 선입견으로 가득한 삶의 순간들을 다른 시선으로 보게 한다. 방대한 미술사적 레퍼런스를 차치하더라도, 색채 감각과 절제된 유머는 작품 감상을 더욱 밀도 있게 만든다.

 

야자수 아래에서 선탠과 수영을 즐기는 버터와 식빵 커플, 열대에 드러누운 아이스크림과 버터의 터무니없는 조합은 궁금증을 유발한다. 간결하고 만화적인 평면 구성과 파스텔 톤 색채는 이러한 장면을 부각시키며 유쾌한 상상의 무대를 형성한다. 때로는 작품 <핑크 스튜디오>(2024)처럼 마티스나 피카소의 ‘미술가와 모델’, ‘스튜디오’라는 익숙한 주제가 엿보인다. 작업은 순수미술과 대중이미지 사이를 넘나들며 미묘한 긴장과 향수를 불러일으키고, 동시대 미술의 다양한 맥락으로 읽힌다. 리더는 유머를 통해 회화의 역사에 개입하며 삶의 모순을 다룬다. 의인화된 빵과 버터, 바나나 등 일상 사물의 아이러니한 장면을 담은 ‘이미지 페인팅’ 시리즈는 2007년부터 이어져 온 대표 작업으로, 동일한 주제를 반복과 변주 속에서 전개해왔다.

리더는 2010년 전후 텍스트 기반 회화와 프로세스 회화의 패러디로 주목받았다. 정물화 전통을 바탕으로 사물에 감정과 관계를 투영하는 ‘이미지 페인팅’ 시리즈(2007~), 추상표현주의의 제스처를 위트 있게 비트는 ‘파스타 회화’, 텍스트 중심의 ‘워드 페인팅’(2010~) 등이 이어진다. 최근에는 ‘세라믹 부조 회화’와 조각 작업(2016~)을 통해 복제된 일상 사물을 배열하고, 소비와 욕망의 구조를 환기한다. 한편 즉흥성을 기반으로 한 SF영화 <문 더스트 Moon Dust>(2014), 아이러니를 전면화한 <다크 페어 Dark Fair>(2008) 등 다양한 프로젝트로 작업 세계를 확장한다.

 

Ⅰ ‘유머는 그림의 필수 요소’

“그것이 웃기든 웃기지 않든, 나는 극도의 환원과 절제, 담담한 유머를 통해 작품에서 간단명료한 것을 추구한다.”  —스캇 리더

 

사적 공간을 엿보는 바나나는 관음적인가, 아이스크림은 열대에서 살아남을 수 있을까. 테라피가 필요한 바나나, 담배를 피우는 꽃, 녹아내리면서도 계단을 오르는 아이스크림은 묘한 공감을 자아낸다. 의인화된 사물들의 아이러니한 장면은 웃음을 유발하면서도 질문을 남긴다. 무덤덤하게 제시된 이미지 너머로 관람자는 자신의 감정을 투사하게 된다. 이는 사물에 의미를 부여하는 행위의 허구성을 드러내는 동시에, 보는 자와 보이는 자 사이의 긴장과 권력 관계를 드러낸다. 회화와 미니어처 오브제, 생 파스타와 익힌 파스타를 활용한 추상회화까지, 작업 전반은 농담과 수수께끼 사이를 오간다.

 

문화예술에서 유머는 단순한 완화 장치를 넘어 사유의 전환을 유도한다. 리더에게 유머는 관객의 참여를 유도하는 장치다. 관객은 웃는 순간 관찰자가 아니라 농담의 공모자가 된다. 이는 위계와 가치에 대한 질문을 우회적으로 증폭시키는 방식이다. 프로이트가 말했듯 유머는 체념이 아니라 반항이다. 리더의 작업은 예술의 권위와 통념을 비틀며 전복한다. <문 더스트 Moon Dust>는 디스토피아적 서사를 통해 사회 구조를 비판하고, <다크 페어 Dark Fair>는 미술 시장의 조건을 전도시킨다. 이러한 유머는 작가가 성장한 미국 중서부—특히 디트로이트—의 문화적 맥락과도 연결된다. 그는 ‘미중서부의 마그리트’라는 별칭으로 불리며, 르네 마그리트의 ‘바슈 vache’ 시기의 반미학적 태도와도 상응한다.

 

Ⅱ. 언어, 우연, 그리고 ‘회화’

“그리기 위해서는 알지 못하는 길로 가야 한다. 예술은 모퉁이를 도는 것과 같다; 모퉁이를 돌기 전까지는 그 너머에 무엇이 있는지 알 수 없다.” —밀턴 에브리 Milton Avery

 

리더는 빵과 버터, 바나나, 배, 아이스크림 등 선호하는 모티프를 반복하며 변주한다. 이는 하나의 대상을 다양한 방식으로 탐구하는 과정이다. 작품 속 캐릭터와 이미지는 그가 미리 기록해둔 단어에서 비롯된다. 작업실에는 단어 리스트를 그린 대형 캔버스들이 걸려 있으며, ‘리스트 페인팅’과 함께 ‘단어 회화’, 네온 작업도 병행된다. 새로운 작업을 시작할 때 그는 단어가 적힌 노트에 다트를 던지는 등 무작위로 단어를 선택해 이미지를 전개한다. 제목이 먼저 정해지고 이미지가 뒤따른다. 그의 작업은 언어에서 출발하며, 언어와 이미지의 상호작용이 핵심을 이룬다. 기표와 기의는 맥락에 따라 끊임없이 변주되며, 서로 무관한 단어와 이미지의 결합은 예상치 못한 서사와 의미를 생성한다. 이러한 방식은 한스 아르프의 우연적 구성이나 존 케이지, 다다이스트의 실험과도 맞닿아 있다.

리더의 작업에는 근현대 미술사의 다양한 레퍼런스가 내재한다. 필립 거스통의 만화적 도상, 마티스의 공간, 호크니의 수영장, 만 레이의 레이요그래프를 연상시키는 이미지, 잭슨 폴록의 올오버 회화 등은 패러디와 변형의 방식으로 호출된다. 이는 추상과 재현, 고급과 저급이라는 이분법을 교란하는 동시에 회화의 전통을 재검토한다. 마틴 키펜베르거, 시그마 폴케, 밀턴 에브리 등과의 계보 속에서 리더는 회화의 규범을 지속적으로 흔든다. 이처럼 그의 작업은 반복과 변주 속에서 의미를 축적하며, 유머와 색채, 가벼운 이미지 이면에 복합적인 층위를 형성한다. 이는 동시대 회화에서 리더만의 위치를 드러내는 중요한 지점이다.

About

스캇리더는 1970년 미국 미시건주에서 태어나 1994년 아이오와 주립대학교 회화과에서 학사 학위를, 1998년 일리노이대학교 대학원 시카고캠퍼스 회화과에서 석사 학위를 취득했다. 현재 시카고미술대학(SAIC)의 교수로 재직 중이다. 미국 시카고와 뉴욕을 기반으로, 2011년 시카고현대미술관의 개인전을 비롯하여 미국, 독일, 프랑스, 영국, 벨기에, 이탈리아 등 세계 각국에서 활발하게 전시를 이어가고 있다. 한편 그의 작품은 워싱턴의 허쉬혼미술관, 시카고현대미술관 등 수많은 주요 미술관들에 소장되어 있다. 

 

[Press Release]

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“You must have this confidence or blind faith that something interesting will happen if you keep putting one thing on top of another... the paintings I'm most interested in are enigmatic.”

– Scott Reeder

 

Scott Reeder is known for employing comedic and parodic strategies that both reference and subvert the histories and conventions of art-making. His work spans painting, sculpture, installation, and film, intertwining language and image, convention and invention, as well as high and low culture. Across bodies of work such as the Image Painting, Pasta Painting, Word Painting, and List Painting series, Reeder develops a practice grounded in repetition, variation, and the productive use of incongruity. His works prompt viewers to reconsider familiar artistic and cultural hierarchies, offering a wry perspective on the absurdities of everyday life through nuanced color and deadpan humor.

 

Whimsical scenes of bread and butter sunbathing beneath palm trees, or ice cream languishing on tropical beaches, evoke curiosity and quiet unease. These incongruous pairings, rendered in flat compositions and pastel tones, form a stage for playful yet disorienting narratives. Reeder’s work often occupies a space between fine art and popular culture, generating subtle tension and nostalgia. Through humor, he interrogates the history of painting while addressing contradictions inherent in human experience. The Image Painting series, began around 2007, derives its humor from anthropomorphized foodstuffs and flora, revisited across iterations that reflect sustained engagement with recurring motifs. Works such as Pink Studio (2024) recall canonical “artist and model” or “studio” scenes, evoking Matisse and Picasso.

Reeder first gained recognition through text-based works and parodic engagements with process painting. Rooted in still-life traditions, the Image Painting series attributes emotional and social relations to inanimate objects—bread and butter, fruits, vegetables, and everyday items. The Pasta Painting series reconfigures the gravitas of fine art through references to Jackson Pollock and Abstract Expressionism. More recent ceramic reliefs and Kuddelmuddel earthenware present replicated objects arranged like indices, reflecting on consumerism, desire, and excess. Projects such as the improvisational science fiction film Moon Dust (2014) and the ironic art fair Dark Fair (2008) further extend the range of his practice.

Ⅰ. Humor, Bread and Butter to Painting

“Whether it's funny or not, I'm definitely interested in a kind of extreme reduction, understatement, or deadpan, in making something really concise.”   – Scott Reeder

 

Are these bananas voyeuristic or exhibitionistic? Can popsicles survive on a tropical beach? Bananas in therapy, smoking flowers, and drinking ice creams suggest narratives that are both absurd and strangely familiar. The Sisyphean image of melting ice cream—reading or painting while dissolving—carries a quiet resonance. These personified objects provoke humor while eliciting curiosity and unease, directing attention to events within the pictorial space. Viewers may perceive dynamics of gender, voyeurism, and power, while projecting their own emotions onto simplified forms. Reeder exposes the absurdity of assigning emotional and symbolic value to ordinary objects. His works operate as visual riddles through narrative fragments, miniature forms resembling mass-produced goods, scattered pasta alluding to abstraction, and ambiguous juxtapositions of text and image.

Humor in Reeder’s work is not merely a device for alleviating absurdity but a means of reconfiguring perception. It draws viewers in, shifting them from observers to participants. As Sigmund Freud suggests, humor resists despair through defiance. Reeder’s work similarly destabilizes artistic authority and convention. His film Moon Dust, set in a speculative lunar resort, presents a dystopian narrative critiquing social hierarchy and urban conditions. Dark Fair, staged in total darkness, operates as both critique and refusal of the art market’s structures. Often described as a “Midwestern Magritte,” Reeder challenges normative assumptions embedded in everyday life. His work resonates with René Magritte’s Période vache, whose deliberately crude and subversive paintings undermined aesthetic standards. Through such reversals, Reeder renders the familiar strange, using humor as a critical strategy within contemporary art.

 

 

Ⅱ. Language, Chance, and Painting

“Art is like turning corners; one never knows what is around the corner until one has made the turn.”

   – Milton Avery

 

Reeder expands a recurring vocabulary—bread and butter, bananas, pears, ice cream—through iterative variation. His process revisits and transforms motifs across multiple versions. Images originate from prewritten word lists that function as reservoirs of ideas. His studio contains large canvases of words alongside List Paintings, Word Paintings, and preparatory sketches for neon works, where language operates as both visual and conceptual material. Chance plays a central role: Reeder may throw darts to select words, allowing unpredictability to guide image-making. Titles often precede images, underscoring the primacy of language. Meaning emerges through the interaction of word and image, as signifiers shift with context. This fluidity generates unexpected narratives and hybrid meanings, aligning his approach with Hans Arp, John Cage, and Dada.

Reeder’s work is deeply informed by art history, incorporating references that oscillate between homage and parody. Cartoon-like figures recall Philip Guston; interiors evoke Matisse; pools suggest Hockney; compositions echo Man Ray or Pollock. These references function as transformations rather than quotations, addressing tensions between abstraction and representation, and between high and low culture. Positioned alongside figures such as Martin Kippenberger, Sigmar Polke, and Milton Avery, Reeder persistently resists fixed definitions of painting. His work accumulates layered meanings, where color, humor, and seemingly light imagery articulate a distinct position within contemporary painting.

작업실 프라이빗 투어 2026.03.21 

 

문의:

Brett Lee

JAKUPSIL - Creative Collective

T. +1 215 906 5200

E. brett@ jakupsil.com

W. www.jakupsil.com

IG. @brettdhlee @jakupsilny