키아프 KIAF 2026 | 갤러리 JJ Booth A14 - 수자 라인하르트, 닉 슐라이커, 허윤희, 유현경 김영헌, 서용선, 신미경, 전원근

안녕하세요. 구독자 여러분.

 

9월 2일부터 6일까지 강남 코엑스 컨벤션 홀에서 한국 최대의 아트페어, KIAF가 열립니다.  갤러리 JJ는 이번에 A14부스에서 수자 라인하르트, 닉 슐라이커, 허윤희, 유현경, 김영헌, 서용선, 신미경, 전원근  8인 작가를 선보입니다. 많은 관심 부탁드립니다.

https://www.galleryjj.org/kiaf-2026

 

키아프 KIAF 2026 | 갤러리 JJ Booth A14 

수자 라인하르트, 닉 슐라이커, 허윤희, 유현경 김영헌, 서용선, 신미경, 전원근

Susa Reinhardt, Nick Schleicher, Huh Yun-hee, You Hyeonkyeong, Kim Young-Hun, Suh Yongsun, Shin Meekyoung, Jun Wonkun

 

COEX Hall Booth A14

 

VIP, Press Opening

Sep 2 Wed    11:00 - 20:00   

Sep 3 Thu  11:00 - 15:00 (VIP, Preview)
15:00 - 19:00 (General Admission)

Sep 4 - 5  Fri-Sat   11:00 - 19:00
Sep 6 Sun       11:00 - 18:00 

 

참여 작가

 

서용선 Suh Yongsun

서용선은 인간과 사회, 역사와 도시를 넘나들며 삶의 현장을 끊임없이 그려오고 있다. 작업의 모든 시각적 형상은 기본적으로 사람에 대한 관심으로 함축될 수 있으며 이는 역사와 신화, 자화상, 도시 인물과 풍경 등으로 나타난다. 그중 역사화는, 역사를 종결된 과거가 아닌 오늘에도 이어지는 현재로 바라보며 역사적 사실을 인간 존재와 삶의 문제로 다시 읽어내는 작업이다. 1986년부터 이어온 단종 역작은 이러한 작가의 시선을 가장 집약적으로 보여주는 작업이다. 작가는 단종과 관련된 인물과 장소를 지속적으로 탐구하며 역사 속 인간의 조건을 질문해왔다. 이러한 작업은 인간 존재에 대한 실존적 물음과 맞닿아 있으며 오늘날 우리의 삶과도 깊은 공명을 이끌어낸다. 

서용선은 특히 자화상이 많은 작가이다. 자신으로부터 인간 존재에 대한 궁금증을 풀어나가기 때문이다. 작가로서의 긴 시간과 함께 자신의 수많은 모습들을 그린 자화상은 그 장르에서의 독보적 위상을 가지고 사람들에게 널리 알려져 있다. 하나의 자화상은 작가 자신을 향한 무수한 시각적 느낌과 사유들의 현상이다. 거울에 반영된 이미지에의 응시와 내밀한 관찰의 순간에서 결국은 자신에 대한 기억과 경험에 의존할 수밖에 없는 작업이기 때문이다.
‘인간 삶 그리기’로 압축되는 그의 작품은 한국 현대미술에서 중요한 위치를 차지하며 국립현대미술관, 서울시립미술관, 부산시립미술관, 등 국내외 주요 기관에 소장되어 있다.
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Suh Yongsun, a major figure in contemporary Korean art, is recognized for his persistent exploration of the world of human life. Every visual form in his work originates from an enduring interest in people - an inquiry that inevitably connects to the “society” that conditions human existence, and unfolds through subjects such as history and myth, self-portraits, and urban figures and landscapes. His paintings, marked by vivid color and expressive brushwork yet governed by a concise and disciplined structure, reveal the life of the individual within history and social systems, especially that of contemporaries in megacities such as Seoul, New York, Berlin, and Melbourne. Suh’s work poses an existential question about what it means to be human in the world he encounters. His works are included in the collections of major institutions, including the National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea, as well as numerous museums worldwide.

From the Danjong series and Korean War paintings to reinterpretations of the Mago myth, Suh’s depictions of urban figures - first noted in the Pine Tree series of the 1980s - have continued throughout his career since his debut solo exhibition. The works Enduring, Boat, and Conversation portray urban and social landscapes the artist inhabits and observes. While Suh sometimes renders specific individuals or self-portraits, his main subjects are the ordinary, universal figures encountered in daily life—in city streets, cafés, and subways. Beyond the urban sphere, his diverse projects, including Dokdo, the Cheoram Project, and the Tumen River Project, explore historical sites and human existence, evoking a strong sense of empathy with the conditions of contemporary life. Alongside painting, sculpture, and collage also constitute an essential and continuous part of Suh’s artistic practice.

 

PUBLIC COLLECTION: 국립현대미술관, 서울시립미술관, 부산시립미술관, 대구미술관, 수원시립미술관, 서울대학교, 서울대학교미술관, 고려대학교박물관, 충청대학교, OCI미술관, 모란미술관, 국방대학교, 양평미술관, 인천아트플래폼미술관, 포스코, 국립현대미술관 미술은행 및 정부미술은행, 동서문학, 호주 모나쉬대학교, 싱가폴 우관중미술관갤러리, 일본 이와미 외 

 

 

 

신미경 Shin Meekyoung

런던과 서울을 오가며 국제 무대에서 활동하고 있는 신미경은 영국박물관, 필라델피아미술관, 한국 국립현대미술관 등 세계 유수의 미술관에서 전시해오고 있다. 신미경의 독보적인 작업세계는 조각의 스펙트럼을 넓히며 미술계에 큰 반향을 일으켜 왔다. 작가는 약 25년간 전통적 조각의 재료가 아닌 비누의 가변적인 물성과 풍화되는 유물의 형태를 대응시키면서 시간성을 가시화하여 시공간적 문화, 재료 간의 ‘번역’에서 오는 간극, 차이를 탐구해왔다. 1998년부터 특정 문화를 대표하는 비너스를 비롯한 서양 고전 조각상, 불상, 도자기 등을 비누로 정교하게 빚어내었고, 이는 재현과 원본성의 문제는 물론 견고한 권위적 형상과 일상적 소모품인 재료를 충돌시켜 유물과 문명 등 불변할 것 같은 절대적 가치에 의문을 제기한다.

작업에는 비누로 정교하게 재현된 ‘번역’ 시리즈인 중국 도자기를 비롯하여 달항아리, 얇고 투명한 ‘고스트’ 시리즈, 금박과 은박을 정성껏 올리거나 브론즈 유물처럼 동박을 입혀 재현된 도자기 ‘화석화된 시간’ 시리즈가 있다. 또한 관객으로 하여금 한동안 사용하게 하거나(화장실 프로젝트) 외부의 기후 조건에서 풍화시킨 고전 조각상들과 불상(풍화 프로젝트), 비누 평면조각인 ‘드로잉’ 시리즈와 ‘페인팅’ 시리즈가 있으며 폐허를 연상하게 하는 거대한 설치 작업 ‘폐허풍경’이 있다. 2017년부터 세라믹과 유리 분야도 석사학위를 받고 동반해오면서 네덜란드 프린세스호프국립도자박물관에서의 ‘거석 시리즈’의 전시로 이어졌다.
코리아나미술관(2023)에 이어, 최근 서울시립 북서울미술관(2024)에서 천사를 주제로 작업을 선보이며 작업세계를 확장해가고 있다. 작업의 근간이 되는 조각에 대한 사유는 부조 작업으로도 확장된다. 이번 키아프에는 이러한 천사 부조작업과 평면조각 시리즈를 선보인다. 평면조각인 회화 시리즈는 끓여서 녹인 비누를 틀에 부어 섞어 나가면서 굳힌 작품이다. 이 작품은 프레임의 두께를 가득 채우는 양의 물질을 담고 있어 앞에 서면 직접 작품의 향기와 물질성을 느낄 수 있다. 서구의 미학에서처럼 오랫동안 질료가 이차적인 것으로 단지 형상을 현상시키는 매개 역할이었다면, 신미경은 여기에서 질료는 그 자체로서 존재하는 무엇이며, 그것이 만들어내는 흐릿한 형태는 질료의 운동이 남긴 흔적임을 보여준다. 우연히 형성되는 이미지가 가진 향기와 여러 색채가 아름답게 조화를 이루고 있다. 시간의 흐름에 따라 변하는 비누 재료의 물성이 드러나고, 조각의 질료로써 풍화되고 소멸되는 유물 형태의 흔적으로 나타나게 되듯이 비누 평면조각 역시 비누의 자연스럽게 갈라진 선과 회화 같은 표면은 곧 조각의 질료와 표면이며 형상으로부터 떨어져 나온 질료의 흔적이다. 한편 비누를 갈아서 점토처럼 반죽하여 굳힌 작업은 시간이 지남에 따라 선이 마치 드로잉처럼 생겨나 물질에 의한 우연한 흔적으로 남는다.

 

​​Meekyoung Shin has exhibited at major art institutions including the British Museum, Philadelphia Museum of Art, and the National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea. Actively working between London and Seoul, she has expanded the scope of sculpture through her distinctive visual language.

Since 1998, Shin has been drawing attention by using soap to create culturally symbolic objects such as Buddha statues, Western classical sculptures, and ceramics. In addition to the issues of representation and authenticity, the daily consumable material conflicts with the authority of sculptural form and questions the seemingly absolute value of relics and civilization. This inquiry into sculpture underpins her artistic practice including soap reliefs and her Drawing and Painting series. Rather than presenting her works as final, Shin embraces and allows time, process, and the material itself to play a crucial role in shaping their final form. By observing the condensed time in her work, the meaning of sculpture can be redefined. In 2024, Shin expanded her practice with angel-themed works at Buk-Seoul Museum of Art,.

Collections
국립현대미술관(서울), 서울시립미술관, 삼성미술관리움, 코리아나미술관, 국립현대미술관미술은행, 서울대학교박물관, 서울용산구청, 몽인아트센터(서울), 매일유업(서울), British Art Council, 브리스톨미술관(영국), 휴스턴미술관(미국), 프린세스호프국립도자박물관(네덜란드), Painting Studio(도쿄) 외 다수

 

 

 

전원근 Jun Wonkun

"안료를 거의 물처럼 풀었을 때 컨트롤이 힘들다. 물감을 어린아이처럼 이해해야 비로소 물감을 다룰 수가 있다. 어쩌면 작가의 감각이나 느낌보다 이러한 ‘안료’가 더욱 예민하다.”  –전원근과의 대화 2023 ​

전원근의 추상화는 가장 기본적 조형 요소인 점, 선, 면을 구성요소로 하며, 이성적인 동시에 수행과도 같은 오랜 시간의 반복과 누적의 과정을 동반하여 인간적인 흔적과 감성으로 동서양의 특징을 함께 담고 있다. 그는 자신이 경험하는 다양한 감정을 색을 통한 절제된 조형언어로 표현하고자 한다. 뒤셀도르프에 거주중인 작가는 유럽을 중심으로 세계무대에서 전시 활동을 하고 있다. 그는 모노크롬적 회화를 비롯하여, 다양한 색상을 한 화면 안에 연출한 사각형과 격자, 선, 원의 기하학적 형태의 작업을 전개해오고 있다.

 

"Controlling heavily diluted pigment is difficult. Only by understanding paint like a child can one handle it. Perhaps this ‘pigment’ is more sensitive than the artist's sensibility."  - Wonkun Jun, 2023 ​

​Jun's art seems to distill life into paintings that resonate with color. To do so, he seeks undisclosed colors on the canvas. His work, known as color-field or monochrome abstract paintings, offers a unique aura that stems from his distinct technique in which multiple layers of hues are built and wiped out repeatedly. Through this multilayering method, the picture plane exhibits thick materiality, yet spatial depth lies beneath its translucent surface where the color-images emerge ambiguously buoyant in the void. The remaining colors and their boundaries from controlled pigment application and removal subtly permeate one another, creating a blurred effect. Such occurrences between the picture plane and the eye create a sense that distant and imminent spacetime can exist concurrently. His works often elicit an emotional response in the viewer, embracing warmth amid moderation, differentiating them from cold and formulaic minimalists. He believes in the comforting and healing power of art and offers it as an aesthetic experience.

 

 

유현경 You Hyeonkyeong

독일 베를린을 기반으로 서울을 오가며 활동하는 작가 유현경은 ‘그리기’, 곧 회화적 속성에 충실한 작가다. 주로 주변의 사람이나 집, 풍경 등 일상적인 소재로, 대상과의 관계 속에서 자신에게 발생하는 뚜렷하지 않은 생각이나 감정을 모아서 그림으로 풀어낸다. 이는 곧 회화적 색채의 관계, 속도감 있고 거침없는 붓질의 직관적 터치, 질료감 사이로 모호하게 약간의 단서 같은 회화적인 형상이 함께 하는 추상적 세계의 화면으로 나타난다.
작가는 작업을 통해 삶에서의 경험과 기억 속에서 예측하지 못하거나 미처 알지 못했던 감정이나 호기심을 관객과 공유하고자 한다. 곧 가장 기초적인 회화 작업으로 자신을 드러낸다고 할 수 있다. 단순화된 관념들과 직관적인 관찰로 이루어지는 화면 속 존재는 현전과 부재 사이의 흔적 같은 양태로 나타남과 지워짐을 거듭하며, 작가는 이러한 회화적 독창성으로 주목받고 있다.
살펴보면, 유현경의 작품은 재현에 주력하기보다 상황이 발생시키는 미묘한 분위기 탓인지 여백의 많고 적음에 상관없이 힘과 긴장감이 있다. 깊이 없는 공간감이 그저 암시적으로만 표현되거나 인물이 발산하는 심리적 상황으로 끌고 가는 인물화를 비롯하여, 화면에서 형태로서의 선이나 색채는 외부로 확산되고 대상은 배경의 분위기와 섞여버리고 만다. 회화적 결과물보다 작가가 형식과 내용의 시공간을 엮어가는 과정에 더 의미가 있다고 할 것이다.유현경은 서울대학교를 졸업하면서부터 인물화를 비롯한 독창적인 표현의 회화언어를 구사함으로써 OCI미술관의 개인전을 비롯하여 일찌감치 20대부터 화단의 주목을 받았던 작가이다. 현재 베를린을 기반으로 서울을 오가며 활동하고 있으며, 자연과 좀더 가까워지면서 보다 유연하고 성숙한 작품세계를 보여준다.

Based in Berlin and Seoul, You Hyeonkyeong is deeply committed to painting, remaining true to its intrinsic qualities. Her work often draws from everyday subjects such as people, homes, and landscapes, translating the indistinct thoughts and emotions that arise from these relationships into visual form. This results in abstract compositions where hints of painterly figures emerge through the interplay of color relationships, dynamic brushstrokes, and the tactile qualities of the medium.
Through her work, You shares with viewers the unexpected emotions and curiosities that arise from life’s experiences and memories. Her paintings, which serve as fundamental expressions of herself, capture simplified ideas and intuitive observations. The presences within her canvases, existing between being and absence, appear and disappear, leaving behind traces that resonate with the viewer. It is this painterly originality that has garnered her attention.

You Hyeonkyeong’s practice, rather than focusing on mere representation, possess a tension and energy - regardless of the amount of negative space - stemming from the subtle atmospheres she portrays. Her figurative works, including portraits, suggest a shallow sense of space or pull the viewer into the psychological states of her subjects. In her compositions, lines and colors extend beyond their forms, blending with the background's ambiance. Critic Chung Youngmok observes that Yoo's paintings should be appreciated not just as final products, but for the significance of the process through which the artist intertwines form and content across time and space. He notes the "unexpected visual allure of bold, seemingly incomplete lines and colors, appearing almost awkward, yet striking a deep, primal chord within us."
Since graduating from Seoul National University, You has garnered early recognition for her distinctive pictorial language, particularly her portraits. Her solo exhibition at OCI Museum of Art, among others, established her as a significant presence in the Korean art scene from her twenties. Now based in Berlin and frequently returning to Seoul, Yoo's recent works reflect a more fluid and mature artistic vision, inspired by her closer connection with nature.

 

 

허윤희  Huh Yun-hee

허윤희는 자연의 생성과 소멸, 즉 순환 과정에 주목한다. 초기에는 인간의 실존과 존재에 대한 질문에서 시작했지만 그의 시선은 점차 인간을 둘러싼 자연과 생명으로 확장되며 오늘날 생태적 감각을 바탕으로 한 독자적인 작업 세계를 구축하고 있다. 자연을 인간과 함께 살아가는 존재로 바라보는 시선은 매일의 관찰과 기록, 그리고 반복되는 그리기 행위를 통해 더욱 깊어져 왔다. 목탄 드로잉은 이러한 생태적 세계관을 가장 집약적으로 보여주는 대표적인 작업이다. 주재료인 목탄은 나무를 태워 얻는 가장 원초적인 회화 재료로, 생성과 소멸의 시간을 품고 있다. 이를 사용해 작가는 그리고, 문지르고, 다시 지워내는 행위를 반복하며 회화를 결과물이 아닌 자연과 동화되어 삶을 살아가는 하나의 수행으로 확장한다.
이러한 작업관은 오랜 기간 이어져 온 연작들에서도 드러난다. 《해돋이 일기》는 매일 떠오르는 태양을 기록하며 자연을 몸으로 체감하는 작업이다. 반복해서 해를 마주하는 행위는 스스로의 일상과 삶의 리듬을 자연의 시간에 맞추며 인간 역시 자연의 순환 속에 존재하는 생명임을 되새기게 한다. 또한, 《사라져가는 얼굴》은 멸종위기 식물의 초상을 담아낸 연작이다. 작가는 사라져가는 식물을 개별의 고유한 얼굴로써 정면으로 마주하며 그 생명의 존재감을 화면 위에 오래 머물게 한다. 이를 통해 인간과 자연 사이의 관계를 새롭게 감각하게 하고 소멸을 앞둔 생명에 대한 생태적 감수성을 환기한다.
2024년 이인성미술상을 수상하였으며, 대구미술관 및 성북구립미술관 등에서 개인전을 열었다. 그의 작품은 국립현대미술관 미술은행, 서울시립미술관, 소마미술관 등 국내 주요 기관에 소장되어 있다. ​
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Huh Yun - hee focuses on nature’s cycles of growth and disappearance. Beginning with questions of human existence, her work gradually expanded to nature and other forms of life, developing a distinct ecological perspective. Humans, too, are part of this inquiry. Daily observation, documentation, and repeated drawing have deepened her view of nature as something with which we coexist.
Charcoal drawing lies at the heart of this practice. Made from burnt wood, charcoal is an elemental medium that carries its own cycle of creation and disappearance. Huh repeatedly draws, rubs, and erases, turning painting from a finished object into a practice of living in rhythm with nature. This approach continues in her long-term series. Sunrise Diary records the rising sun each day, aligning the rhythms of daily life with natural time and reminding us that human life, too, belongs to nature’s cycles. Disappearing Faces portrays endangered plants, confronting each as a singular face and holding its presence on the surface. The series renews our sense of the bond between humans and nature and our awareness of lives nearing extinction.

Major solo exhibitions include Full Emptiness (2025, LeeInSung Art Award Exhibition, Daegu Art Museum) and Yunhee Huh: Eternity Is in the Moment (Seongbuk Museum of Art, Seoul). Her work is held in major Korean collections, including the MMCA Art Bank, Seoul Museum of Art, and SOMA Museum of Art.

 

 

김영헌KIM Young-hun

김영헌의 추상회화는 동시대 과학문명의 패러다임 전환 속에서 흔들리는 우리의 감각과 세계 인식을 매개로 새로운 회화의 지평을 열어 보인다. 작업은 작가 자신이 감각하고 인식한, 전자로 만들어진 디지털 이미지나 가상 세계의 풍경이 될 수도 있고, 혹은 우리의 일상을 감싸는 빛과 음악 소리의 시각화, 나아가 우주 만물을 구성하는 에너지와 과학적 실재계 같은 비가시적 세계를 감각의 영역으로 끌어내는 작업으로 설명될 수 있다. 전자electronic는 세계를 구성하는 기본 요소로, 이들의 파동 패턴은 작가와 세계를 연결하는 매개체이다. 곧 그의 작업은 파동으로 가득한 우주의 역동적인 에너지에 다름 아니다.
잔물결처럼 일렁이는 파동과 생성의 이미지, 그리고 일련의 불연속성은 그의 작업의 특성이다. 화면은 부드러운 웨이브의 줄무늬 패턴의 왜곡과 절단, 보색의 대비 등 서로 이질적인 회화 요소가 다채롭게 어울리면서 환타지적 감각과 자유로운 힘의 생동감이 교차한다. 화면 속 추상의 필치가 빚어내는 과감하게 분할 절단된 구성으로 인한 불연속적인 리듬감은 마치 현대인이 디지털 기기를 사용할 때 겪는 파편화된 감각의 경험일 수 있다. 한편 화면에서 자주 나타나는 초록과 핑크, 노랑과 파랑 등의 보색 관계는 디지털이 가진 속성으로, 선명하고 인공적인 색채는 스스로 빛을 내는 RGB 가시광선과 유사하여 현실감에서 멀어진 사이버틱한 분위기 혹은 가상공간의 느낌마저 준다. 작품에서 이러한 대비되는 요소들의 충돌과 간섭 현상은 마치 진동하고 공명하는 파동처럼 또 다른 줄무늬의 생성을 유도하면서 회화 평면을 운동하는 생명력으로 이끈다.
화면은 현실과 가상이 중첩되는 세상, 디지털적 신호인 0과 1 사이에 모호하게 보이지 않는 미지의 세계의 무한함과 파동, 간섭과 왜곡, 생성으로 점철되며 작가는 이에 관한 감각을 회화적 언어로 치환한다. 이는 곧 견고한 것이 아닌, 입자이면서 파동으로 이루어진 우주와 세계의 본질에 대한 사유를 가능하게 한다. 2009년부터 시작된 <일렉트로닉 노스탤지어> 연작으로 대표되는 그의 회화 작업은 이처럼 달라진 디지털의 환영 속 파편화된 감각을 지극히 아날로그적 매체인 회화 평면 위로 끌어와 새로운 감각으로 창출한다.
김영헌은 현재 서울을 중심으로 뉴욕, 프랑스, 홍콩을 무대로 회화작업을 이어가고 있는 작가이다. 1995년 중앙미술대전에서 대상을 받으며 미술계의 주목을 이끌었으며, 이후 프랑스의 '파리 시테'(2000-2002년), 독일 뒤셀도르프 회헤르베그스튜디오(2003년) 입주작가를 거치며 2009년 귀국하기 전까지 유럽에서 활동하였다. 성곡미술관, 자하미술관, 스페이스K 대구 등에서 개인전을 가졌으며 2020년 하인두미술상을 받았다. 리움미술관을 비롯하여 국내외 주요 기관에 작품이 소장되어 있다

​Kim Young-Hun is a Seoul - based painter active internationally in New York, France, and Hong Kong. He received his BFA in Painting from Hongik University and MA in Painting from Chelsea College of Arts, University of the Arts London. After winning the Grand Prize at the JoongAng Fine Arts Prize in 1995, he worked in Europe until 2009, including residencies at Cité Internationale des Arts, Paris (2000–02), and Höherweg Studios, Düsseldorf (2003). He has held solo exhibitions at Sungkok Art Museum, Jaha Museum of Art, Space K Daegu, Soluna Fine Art Hong Kong, Galerie Richard (Paris/New York) and elsewhere, and received the Ha In-Doo Art Award in 2020. His work is held in major public and private collections, including Leeum Museum of Art, Jaha Museum of Art, Sungkok Art Museum, MMCA Art Bank, Government Art Bank, Kolon Group, and Bank of America.
Through the vibration and rhythm of waves, Kim creates a contemporary language of abstraction. Painting brings the invisible into the realm of sensation: light and sound that permeate everyday life, as well as the energies that constitute the universe. Juxtaposed complementary colors distort form and structure, while noise, collision, and interference generate new patterns like waves in vibration and resonance. Charged with the dynamic energy of a universe in motion, his paintings draw us toward the origins of life and the world.
Kim Younghun focuses on the new digital sensibilities and modes of being in contemporary society, forging a novel, contemporary abstract language that embraces an artificial yet fresh sensory experience. His work reflects a world where reality and virtuality overlap, translating the infinity of an unknown world hidden within digital signals - marked by waves, interference, distortion, and emergence- into painterly form. Through these forms, his work prompts contemplation of the nature of the universe and the world as dynamic fields of particles and waves rather than fixed entities. His signature series, Electronic Nostalgia, brings the fragmented sensibilities born from these digital illusions into the strictly analog medium of the painted canvas, creating a whole new sensory dimension. On the canvas, undulating stripes, vivid colors, smooth surfaces, and the rhythmic intersections of fracturing and layering evoke the continuous movement and vitality of a changing world. Through this electronic abstract language, Kim presents a painterly realm where digital perception and analog nostalgia seamlessly coexist.

닉 슐라이커 Nick Schleicher

자유로운 형태의 색면추상회화로 삶의 다양한 이야기를 전하는 슐라이커는 일상의 다양한 주제, 감성적 내러티브를 색으로 치환하여 소통하고자 한다. 슐라이커는 영롱하고 촉각적 물질성을 지닌 색면적 추상회화를 중심으로, 한편 회화와 사물이 교차하는 오브제 작업을 한다. 종종 그림의 엄격한 사각형 틀에서 벗어난 원, 타원, 아치형 등 다양한 형태의 셰이프트 캔버스, 제한된 틀의 경계를 벗어난 안료의 불규칙한 윤곽으로 인해 회화는 프레임 너머의 공간으로 확장된다. 아치형 틀의 형태가 무정형의 구름인 듯, 성당의 창문인 듯 그림은 관객을 둘러싼 현실 공간에 개입한다. 이러한 작업은 미니멀리스트의 명료성과 진지함에서 비켜서서 위트를 더함과 동시에 보다 정서적이며 인간적 감성으로 향한다. 작가는 미국의 세인트루이스와 시카고를 중심으로 활동하면서, 세인트루이스현대미술관 등 미술관 전시를 비롯하여 키아프 등의 아트페어에 참여하면서 떠오르는 젊은 작가로 주목받으며 마니아 층이 두텁게 쌓여가고 있다.
화면 속 겹쳐진 색상들은 서로 스며들 듯하지만 때로는 얼룩인 듯 모호하게 아른거리며 각기 자유로운 레이어를 보여준다. 작가는 회화의 지지체로서의 캔버스와 표면, 안료의 물성과 적용방식을 오래 탐구해 왔다. 특히 형광안료나 광택이 나는 젤 등 물성이 강한 매체로 아주 얇은 레이어를 만들며, 반복적으로 층을 쌓아 나간다. 작가의 의도와 즉흥적인 구성이 함께 작용하여 각 레이어가 투명하거나 혹은 불투명하게 불규칙적으로 겹쳐지고, 여기에 매끈거리고 반짝이는 안료의 물성이 더해지면서 화면에는 모호한 환영적 공간감마저 생긴다. 그것은 색면회화가 지향하는 순수한 색채의 표면을 지나 촉각적인 물성과 함께 사이키델릭한 색채 감성을 지닌다. 이렇게 슐라이커의 작업은 색면추상의 비물질적 특성을 물질로 갱신한다. 더욱이 선명하고 높은 채도의 화려한 색감과 인공적인 물성은 대중문화에서 오는 생동감과 시각적 유희성이 있다.
그의 작업에는 이를 테면 모로코 전통의 베르베르 카펫, 애니메이션 심슨가족이나 영화 장면 속 색상, 혹은 어렸을 적 가지고 놀았던 끈끈이 장난감의 높은 채도의 색상과 끈적이는 물성, 여행지 해변이나 볼링장의 분위기 등 자신에게 의미 있었던 것들이 투영되어 있다. 곧 기억 속 재현적 장면은 추상의 형태로 걸러지고 색상과 질감으로 번역되면서, 모호하고 진기한 무언가로 바뀌어 나타난다. 그의 흔들리는 색층의 회화는 보편적 질서나 영원성을 나타내고자 하는 추상이기보다, 오히려 그러한 영원성이나 항구적인 것에의 질문일 것이다. 

​After graduating from the School of the Art Institute of Chicago's painting department in 2011, Nick Schleicher (b.1988) has been drawing attention as he has been working mainly in St. Louis and Chicago. Schleicher delves into color, medium, and space, drawing inspiration from everyday surroundings, fleeting moments, popular culture, and art history. His work diverges from the exactness and formality of minimalism in pursuit of something more human and whimsical. He senses the world through color and translates it into vibrant, tactile abstract paintings, perceiving them not merely as flat surfaces but as objects. By employing shaped canvases in circles, semicircles, and arches, the pigments surpass the confines of rectangular frames, forming irregular contours, akin to strata, that redefine the edge of painting. These shaped canvases, resembling amorphous clouds or cathedral windows, enable the painting to extend beyond the frame with more rhythm and vigor that enhances viewer engagement in real space. As he participated in art fairs such as KIAF in South Korea, including art museum exhibitions such as the Contemporary Art Museum Saint Louis.

​Schleicher delves into color, medium, and space, drawing inspiration from everyday surroundings, fleeting moments, popular culture, and art history. Operating in both abstract painting and sculptural realms, he substitutes various daily subjects and emotional narratives with color. The smooth surfaces mirror the environment with layered, stratified colors, creating an interplay between undulating edges of accumulated pigments and the gentle curves of the frame that establish a visual hallmark of his work. Depending on distance, perspective, and light, the painting changes and undulates like an object, refusing monotony. Besides revealing beautiful color field abstraction and painterly fulfillment, the rich references within the work, such as cultural nuances and intimate moments, provide subtle implications that encourage diverse interpretations.

 

수자 라인하르트 Susa Reinhardt

독일 슈투트가르트와 베를린을 중심으로 활동하는 수자 라인하르트는 평화롭고 이상적인 풍경을 통해 자연과 인간의 관계, 그리고 우리의 시각적·감각적 인식에 대한 질문을 탐구해왔다. 그는 긍정적이고 마음을 고양시키는 이미지와 느긋함, 고요함을 선사하는 분위기에 주목하며 자신만의 독특한 회화 언어를 구축한다.
그의 풍경은 부드러운 색채와 만화적 양식, 단순화된 형태를 통해 동화적이고 평온한 분위기를 자아내지만, 동시에 지나치게 말끔하고 텅 빈 공간은 어딘가 인공적이고 초현실적인 감각을 불러일으킨다. 특정 장소를 재현하기보다 주로 이탈리아 여행에서 얻은 기억과 상상을 응축하여, 현실과 상상 사이에 존재하는 풍경을 만들어내는 것이다. 그의 회화에 나타나는 목가적 자연은 인간이 꿈꾸는 이상적인 휴식과 치유의 공간, 나아가 아르카디아적 유토피아를 연상시킨다. 라인하르트는 화면의 요소들을 분산시키거나 고립시키고, 평평한 공간감과 대비되는 빛을 활용해 이러한 목가적 환상을 미묘하게 교란한다. 일관되게 따뜻한 파스텔톤의 장소들은 목가적이고 평화로운 분위기와 동시에 미묘한 인위성을 띠면서 이것이 곧 인간의 내면적 욕망이 투영된 풍경임을 암시한다.
화면에는 호수와 정원, 나무, 숲, 공터 등 다양한 풍경 요소들이 반복적으로 등장한다. 그는 풍경을 단순한 자연의 재현이 아닌 문화와 역사적 맥락 속에서 형성된 하나의 시각적 코드이자 여러 상징들이 결합된 구조물로 바라본다. 곧 작업은 다양한 기호로 구성된 하나의 구조물로서의 풍경이며 표현 방식에 있어서 단순한 기호로의 환원이 특징적이다. 이를 통해 자연을 바라보는 우리의 인식 역시 식별과 분류의 과정 속에서 구성된다는 점을 드러내며, 낭만주의적이고 기념비적인 전통적 풍경화에 대한 새로운 대안을 제시한다. 작업은 애니메이션이나 만화, 팝아트 등 다양한 시각문화의 영향을 통합하여 풍경이 현실과 상상 사이에 위치한 하나의 문화적 구성물임을 드러낸다. 이처럼 라인하르트는 풍경화의 오랜 전통을 참조하면서도 동시대적 요소로 자연에 대한 새로운 시각과 자신만의 독자적인 회화 언어를 구축하고 있다. 최근의 아크릴 작품들은 일러스트레이션 같은 짧은 장면, 스냅샷처럼 보이는 new-pop적 스타일로 작가 고유의 밝고 독특한 분위기를 자아낸다.

작가는 슈투트가르트 국립조형예술학교(State Academy of Fine Arts Stuttgart)에서 무대디자인을 전공하였고, 이후 개념미술가로 유명한 조셉 코수스(Joseph Kosuth) 교수 아래 회화로 마이스터쉴러(Meisterschülerin) 과정을 마쳤다. 바덴뷔르템베르크 예술재단 장학금을 비롯한 다양한 지원 프로그램에 선정되었으며, 무담 룩셈부르크 현대미술관(Mudam Luxembourg), 슈투트가르트미술관(Kunstmuseum Stuttgart), 메르세데스아트컬렉션(Mercedes Art Collection) 등 해외 주요 미술기관에 작품이 소장되어 있다. ​

Susa Reinhardt, based in Stuttgart and Berlin, has long examined our relationship to nature and the ways we perceive it through quiet, idealized landscapes. Her paintings favor an affirmative register, creating a sense of ease and stillness through a visual language entirely her own.
Lakes, gardens, trees, forests, and clearings recur across her canvases. For Reinhardt, landscape is less a representation of nature than a visual code shaped by cultural and historical conventions. By exposing how seeing nature also involves identifying and classifying it, she proposes an alternative to the Romantic and monumental traditions of landscape painting.
Soft color, simplified forms, and a cartoon-like vocabulary lend these landscapes a storybook serenity, yet their immaculate emptiness feels subtly artificial, even surreal. Memories of Italy mingle with imagined places, leaving the scenes somewhere between the familiar and the invented. Their pastoral calm conjures nature as a place of rest and renewal, and, at its furthest reach, an Arcadian ideal.
Reinhardt unsettles this idyll by isolating and dispersing forms, using light to complicate otherwise flattened space. Landscape alternately takes center stage and recedes into a setting for the viewer’s imagination, an approach informed by her background in stage design and spatial installation. Working within the history of landscape painting while borrowing from design, animation, and comics, Reinhardt recasts nature through a pictorial language of her own.

 

 

 

서울시 강남구 압구정로 30길 63 갤러리JJ  06025 

GalleryJJ, 63 Apgujeong-ro 30-gil, Gangnam-gu Seoul, Korea  06025 ​ 

 

관람시간: 화-토 11am-7pm (일, 월요일 휴관) www.galleryjj.org

문의: +82-322-3979 / galleryjjinfo@gmail.com / galleryjj.manager@gmail.com

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