Jakupsil NY - TRACE 전시 - 스쿨오브비주얼아츠 MFA 8인전

구독자 여러분.

뉴욕의 크리에이티브 컬렉티브 JAKUPSIL에서 Spring Pop-Up Exhibition Series의 2번째 전시로 School of Visual Arts MFA 작가 8인의 그룹전, TRACE를 선보입니다.  작가: 전지은(Jieun Cheon), 화뤄시(Ruoxi Hua), 코키몬(Korkimon), 고유림(Yoorim Ko), 마증원(Zengyuan Ma), 박예나(Yena Park), 투펙치(Kutay Tufekci), 위안(Yue Yuan). 이번 전시는 우리의 존재를 규정하는 유형과 무형의 흔적들—신체, 공간, 기억, 정신에 각인된 표식을 각 작가들의 언어로 풀어낸 작품들을 탐구합니다. 회화, 설치, 혼합매체를 통해 작가들은 각자 체험의 잔여, 흔적들을 발굴하며, 현존과 부재, 물질과 비물질 사이의 영역을 가로지릅니다. 전시명 TRACE는 이들의 실천을 관통하는 기억, 잔여물, 신체성, 경계성의 주제를 포착합니다.

더 자세한 정보는 웹사이트 www.jakupsil.com 인스타 @jakupsilny  &  @ brettdhlee 

 

School of Visual Arts MFA 8인 그룹전

TRACE

Jieun Cheon · Ruoxi Hua · Korkimon · Yoorim Ko · Zengyuan Ma · Yena Park · Kutay Tufekci · Yue Yuan

May 22 –  29, 2025

오프닝: Friday, May 23,  6-8 pm

 

 

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[국문 보도자료]

TRACE

2025. 5. 22 - 5. 29
presented by JakupsilNY
오프닝 리셉션: 5. 23. (금), 6-8PM

 

JakupsilNY은 School of Visual Arts MFA 프로그램 출신 8명의 작가 전지은(Jieun Cheon), 화뤄시(Ruoxi Hua), 코키몬(Korkimon), 고유림(Yoorim Ko), 마증원(Zengyuan Ma), 박예나(Yena Park), 쿠타이 투펙치(Kutay Tufekci), 위안유에(Yue Yuan)의 그룹전 TRACE를 개최한다.  이번 전시는 우리 존재를 규정하는 유형과 무형의 흔적들, 즉 신체, 공간, 기억, 정신에 새겨진 자국들을 들여다보고자 한다. 회화, 설치, 혼합매체를 통해 작가들은 살아온 경험의 잔여 흔적을 발굴하며, 현존과 부재, 실재와 허상 사이의 영역을 탐색한다. 전시명 TRACE는 이들 작업에 흐르는 기억, 잔여물, 신체성, 경계성의 주제를 담는다. 이산과 디지털 매개가 지배하는 시대에, 작가들은 연결이 단절되고 정체성이 분산될 때 무엇이 남는지 묻는다. 전시는 소속과 소외, 가시성과 지움, 보존과 소멸 사이의 경계 지점들을 그려내고자 한다.

 

"살아간다는 것은 흔적을 남기는 것이다." — 발터 벤야민

 

전시는 층위화와 체계적 해체를 탐구하는 작업들로 시작한다. 전지은, 화뤄시, 투펙치는 각기 다른 형식적 전략을 통해 구조적 질서와 그 필연적 붕괴 사이의 긴장을 다룬다. 전지은의 Uncanished Workld—An Epistemological Inquiry는 합리성이 현실 앞에서 좌절하고 이해가 미완으로 남는 가상의 우주를 구축한다.  기묘한 세계 Uncanny World와 미완의 작업 Unfinished Work의 합성어인 이 작품을 비롯하여, 회화, 판화, 조형 등 다양한 매체를 활용한 그의 설치는  내면의 갈등에서 비롯된 강박적이며 자기 통제를 통한 인식론적 장(章)으로 기능한다. 비가시적이지만 축적된 경험들과 통제되기 힘든 그 체계 속에서 그만의 시각언어를 허구의 서사 The Calendar of the Permutations of 1000 Arms와 The Anti-Fractal Map를 통해 나타낸다. 이 속에는 과학적 도표와 종교적 도상, 신화적 파편들이 만나며, 이 중첩된 시스템은 작가가 말하고자 하는 역설을 시각화한다: 혼돈 속의 질서, 지식과 믿음의 대립—존재를 이해하려는 합리적이고 영적인 시도들의 고고학적 흔적을 만들어낸다. 도축된 동물의 육체, 즉 '고기'는 근육 조직이 여전히 맥박치듯 하지만 죽음으로 다가가듯 서서히 석화화듯이 변색과 결정이 일어난다. 또한 월스트릿의 트리니티 교회 Trinity Church와 묘지, 그리고 주변의 화려한 마천루가 파편적으로 펼쳐보이는 그의  Anti-Fractal Map에서는 여러 종교와 이념, 현재 미국의 자본주의 등 양립이 불가할 요소들이 부딫히며 주는 혼돈이 엿보인다.

이러한 불가한 장소들의 연장선으로 화뤄시의 회화는 비장소—의미보다 효율성을 위해 설계된 전이적이고 익명적인 공간들—를 탐구한다. 그는 기능성을 극대화하고 미적 요소를 최소화한 틈새 공간들을 검토한다: 이면도로, 지하철 역사, 주차장, 공중화장실. The Green Stripes와 Pack Your Bags… for Nowhere at All에서 화뤄시는 분할과 연결을 동시에 수행하는 날카로운 선형 요소들을 구사하며, 극단적 크로핑으로 맥락적 단서를 차단하여 비개성화된 환경의 일상적 경로에서 겪는 방향감각 상실을 반영한다. 그의 구성은 거주보다 통과를 위해 구축된 공간에 내재한 심리적 소외감을 전경화하며, 의도적으로 비인격적인 영역을 통과하는 인간 경로의 흔적을 포착한다.

전지은이 믿음과 체계 내의 흔적을 매핑하고 화뤄시가 공간적 소외를 암시한다면, 투펙치는 아날로그 방식으로 디지털 이미징 프로세스를 탐구한다. 투펙치의 회화는 층위별로 구축되며, 각 층은 별개의 시각 정보 단위로 처리된다. 칩 브러시, 에어브러시, 유성 마커, 마스킹 테이프, 궤도 샌더를 사용하여 그는 제작 과정의 흔적, 즉 펜티멘토를 간직한 표면을 구축하고 손상시킨다. 물감은 질감적 팔림프세스트로 축적되며, 제거와 마모의 행위로 표시된다. 스텐실 실루엣은 트롱프뢰유 효과를 창출하여 분열된 구성을 가로지르며 시선을 유도한다. C4M3L CRU5H에서 그가 '표면 외상'이라 부르는 것이 구조적 장치가 된다. 환영과 침식이 얽혀 시각적 고고학을 구축한다. 투페키 화면의 이러한 물질적 흔적들은 외부 세력이 보다 사적인 영역들을 어떻게 표시하는지를 반향한다.

 

"신체는 사건들이 새겨지는 표면이다." — 미셸 푸코

 

전시 전반에 걸쳐 신체는 쟁점적 영역으로 부각된다. 코키몬은 형태적 왜곡을 통해 육체의 변형을 전면화한다. 그녀는 대형 흑연 드로잉에서 괴기스러운 형상을 구사하여 완전한 타자 이해의 불가능성을 탐구한다. 해부학적으로 모호한 형태들을 정밀하게 묘사하면서 재현과 해체 사이의 긴장관계를 구축한다. Grab A Granny 같은 작품에서 그녀는 역설적 몸짓을 실행한다. 애초에 완전했던 적 없는 것을 재조립하려는 시도 말이다. 위안은 아크릴과 색연필을 중첩시켜 신체가 출현했다 소거되는 겹쳐진 화면을 구성한다. Appendix에서 그녀는 프랜시스 베이컨을 환기시키는 얽힌 두 형상을 제시한다. 변형 과정에 있는 몸체들로, 살이 색채의 파동 속에서 골격을 가로지르며 미끄러진다. 그녀의 작업은 우리가 진정 외견과 일치하는 존재인지 의문을 제기한다. 신체를 고정된 개체가 아닌 지속적 생성의 장소로 설정한다. 마증원의 The Tree in the Garden and the Tree in the Wild은 식물학적-해부학적 혼종화를 구현한다. 작가는 오랫동안 여성을 나무로 인식해왔다. 자립적이면서도 외부 인식을 통해 정당성을 부여받는 존재로서 말이다. 그녀는 "획일적 미로 조형된" 것들과 "안개 속에서 야생으로 성장하는" 것들을 대비시킨다. Witch Hunt에서는 대안적 페미니즘 독해를 제안한다. 여성적 신성이 성화가 아닌 화형에 직면하는 장면을 통해 형식적 수단으로 미적 규준화를 비판한다.

박예나와 고유림 작가는 상이한 기법적 접근을 통해 부재성을 다룬다. 박예나는 무처리 직물을 구성의 토대로 활용하여 기저재를 전경화하며 의도적 미완성을 시사한다. 그녀의 색채 방법론은 청색과 녹색을 통해 공간적 후퇴감을 표현하고, 초현실적 요소들로 지각적 불안정성을 조성한다. 그녀 작품의 커튼은 접근 불가한 영역을 상징하고, 빨랫줄은 미약한 흔적만을 남기는 기억의 층위들을 나타낸다. 눈은 대립적 정서를 전달하는 핵심 모티프가 되고, 소멸하는 진주목걸이는 무상성을 함의한다. 기법적 정밀성으로 구현된 시각적 은유체계이다. 고유림은 반투명한 채색층과 아크릴, 오일 파스텔의 질감적 구간들을 축조한다. 화면을 교란하고 활성화하는 방식으로 말이다. '아우라'에 대한 그녀의 탐구는 색채를 장식적이 아닌 존재론적 차원으로 위치시킨다. 비가시적 에너지가 감지되고 구현되는 매개체로서 말이다. 그녀의 접근법은 동시에 찰나적이면서도 구조화된 시각적 장을 생성한다. 변화와 정서적 현존성의 주제를 다룬다. 이 회화들은 현존과의 미묘한 조우를 위한 명상적 공간을 마련한다. 여기서 물질성은 묘사가 아닌 감각의 매개체가 된다.

 

신체적 각인에서 공간적 잔여물까지, 다양한 흔적이 전시 전반에 현현하며, 전시 작품들은 집합적으로 중첩적 축적과 교감한다. 물질과 기억, 문화적 각인의 층위를 통해 의미가 구축되는 양상을 말이다. TRACE는 사유를 촉구한다. 물리적 근접성이 좌절될 때, 사회가 순응을 강제할 때, 이해가 한계에 봉착할 때 무엇이 지속되는가를 말이다. 작품들은 임계 공간을 점유한다. 방기와 애착 사이, 질서와 무질서 사이, 해체와 연결 사이의 공간을. 존재의 잔여 흔적을 보존하고 변용하는 예술의 역능을 입증한다. 전시는 개별적 오브제가 아닌 시공간적 침투의 성좌를 제공한다. 부재가 현존으로 전환되고, 기억이 드러남과 은폐 사이에서 물질화되는 순간들을...

 

문의:

Brett Lee

JAKUPSIL - Creative Collective

T. +1 215 906 5200

E. brett.jakupsil@gmail.com

W. www.jakupsil.com

IG. @brettdhlee  @jakupsilny

 

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[영문 NY Press Release]

 

School of Visual Arts MFA

TRACE

Jieun Cheon · Ruoxi Hua · Korkimon · Yoorim Ko

Zengyuan Ma · Yena Park · Kutay Tufekci · Yue Yuan

 

May 22 –  29, 2025

Reception: Friday, May 23,  6-8 pm

 

Text | Brett Lee, Curator

 

Jakupsil is pleased to present TRACE, a group exhibition featuring works by eight artists from School of Visual Arts MFA program: Jieun Cheon, Ruoxi Hua, Korkimon, Yoorim Ko, Zengyuan Ma, Yena Park, Kutay Tufekci, and Yue Yuan. The exhibition explores the corporeal and incorporeal vestiges that define existence—marks inscribed upon bodies, spaces, memories, and psyches. Through painting, installation, and mixed media, these artists excavate the residual imprints of lived experience, navigating the territories between presence and absence, the tangible and ethereal. The title, TRACE, captures themes of memory, remnants, embodiment, and liminality that course through their practices. In an era shaped by displacement and digital mediation, they question what remains when connection fractures and identity disperses. The exhibition aims to map such thresholds—between belonging and estrangement, visibility and erasure, preservation and decay—that resist categorization.

 

"To live is to leave traces." — Walter Benjamin

 

The exhibition begins with works that explore stratification and systematic deconstruction. Cheon, Hua, and Tufekci each address the tension between structural order and its inevitable collapse through varied formal strategies. Cheon's Uncanished Workld—An Epistemological Inquiry builds a fictional universe where rationality falters against reality and understanding remains incomplete. Using drawing, sculpture, text, and craft-based processes, her installations function as epistemological chapters—The Calendar of the Permutations of 1000 Arms and The Anti-Fractal Map—where scientific diagrams meet religious iconography and mythological fragments. Her layered systems visualize paradoxes: order within chaos, knowledge against belief—creating archaeological traces of both rational and spiritual attempts to comprehend existence. Similarly, Hua's paintings delve into non-places—transitional, anonymous spaces designed for efficiency over meaning. He examines interstitial spaces designed for maximal function and minimal aesthetics: side streets, subway stations, parking lots, public bathrooms. In The Green Stripes and Pack Your Bags… for Nowhere at All, Hua employs sharp linear elements that divide and connect, while extreme cropping withholds contextual clues, reflecting the disorientation of routine navigation in depersonalized environments. His compositions foreground the psychological estrangement inherent in spaces built for transit rather than habitation—capturing traces of human passage through deliberately impersonal territories.

While Cheon maps traces within beliefs and systems, and Hua hints at spatial alienation, Tufekci investigates digital imaging process via analog means. His paintings are built in layers, each treated as a distinct unit of visual information. Using chip brushes, airbrushes, permanent markers, masking tape, and an orbital sander, he constructs and distresses surfaces that retain traces, pentimento, of their making. Paint accumulates into textured palimpsests, marked by acts of removal and abrasion. Stencil silhouettes create trompe l'oeil effects that guide the eye across fractured compositions. In C4M3L CRU5H, what he calls surface trauma becomes a structural device—illusion and erosion intertwine to build a visual archaeology. These material traces on Tufekci's surfaces echo how external forces mark more intimate territories.

 

"The body is the inscribed surface of events." — Michel Foucault

 

The body emerges as contested terrain throughout the exhibition, with Korkimon's practice foregrounding corporeal transformation through formal distortion. Her large-scale graphite drawings deploy monstrous figuration to examine the impossibility of complete interpersonal access. The precision with which she renders anatomically ambiguous forms produces tension between representation and dissolution. Through works like Grab A Granny, she enacts the paradoxical gesture of attempting to reassemble what was never whole. Yuan's approach involves layering acrylic and colored pencil to create palimpsestic surfaces where bodies emerge and recede. In Appendix, she presents double entangled figures reminiscent of Francis Bacon—bodies caught in metamorphosis, where flesh slides across skeleton in chromatic waves. Her work questions whether we are truly who we appear to be, positioning the body as site of perpetual becoming rather than fixed entity. Ma's The Tree in the Garden and the Tree in the Wild employs botanical-anatomical hybridization. Having long seen women as trees—independent yet validated by external perception—Ma juxtaposes those "pruned into uniform beauty" against those "growing wild in the mist." Her Witch Hunt presents an alternative feminist reading where feminine divinity faces immolation rather than sanctification—a critique of aesthetic standardization through formal means.

Park and Ko engage with absence through distinct technical approaches. Park employs untreated fabric as compositional foundation, foregrounding the substrate while signifying intentional incompletion. Her chromatic methodology utilizes blues and greens to articulate spatial recession, while surreal elements create perceptual instability. Curtains in her compositions symbolize inaccessible realms, while clothing lines represent layers of memories leaving only faint traces. Eyes become crucial motifs conveying contrasting emotions, and disappearing pearl necklaces symbolize impermanence—visual metaphors rendered through technical precision. Ko builds translucent washes and textured passages of acrylic and oil pastel that interrupt and animate the surface. Her investigation of "aura" positions color not as ornamental but ontological—a medium through which unseen energies are felt and rendered. Her approach produces visual fields simultaneously ephemeral and structured, engaging themes of transformation and emotional presence. The paintings offer contemplative spaces for subtle encounters with presence, where materiality becomes a conduit for sensation rather than depiction.

 

From bodily imprints to spatial remnants, varied traces manifest throughout the exhibition. Works on view collectively engage with palimpsestic accumulation—the way meaning is constructed through layers of material, memory, and cultural inscription. TRACE invites contemplation of what persists when physical proximity fails, when societies enforce conformity, and when understanding confronts its limitations. The works occupy threshold spaces—between abandonment and attachment, order and chaos, dissolution and connection—testifying to art's capacity to preserve and transform the residual marks of being. The exhibition offers not discrete objects but a constellation of temporal and spatial incursions—moments where absence becomes presence, where memory materializes between what is revealed and what is withheld.

 

문의:

Brett Lee

JAKUPSIL - Creative Collective

T. +1 215 906 5200

E. brett.jakupsil@gmail.com

W. www.jakupsil.com

IG. @brettdhlee  @jakupsilny